Yves Klein




Yves Klein (28 de abril de 1928 - 6 de junio de 1962) fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neodadaísta.

Klein nació en Niza. Sus padres, Fred Klein y Marie Raymond, también fueron pintores. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina Mercante", y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales", empezó a practicar judo. En esa época, comenzó su amistad con Arman Fernández y Claude Pascal, y empezó a pintar. A los diecinueve años, Klein estaba en la playa en el sur de Francia con sus dos amigos y decidieron dividir el mundo entre ellos: Arman, la tierra; Pascal, las palabras, y Klein escogió el espacio etéreo que rodeaba el planeta

Durante su corta carrera artística -iniciada como tal en 1955- Yves Klein (Niza, Francia 1928 - Paris, 1962) se entrega por completo a una práctica artística de marcado carácter experimental, abundando en la poesía de lo ilimitado y con un evidente trasfondo espiritual. Sus propuestas suponen un desafío constante a las nociones de valor en arte y una radical revisión del papel del artista y del espectador. Para Sidra Stisch, comisiaria de la exposición, el trabajo de Klein “no sólo avanzó el diálogo del arte desarrollando alternativas innovadoras, sino que pone de relieve sus vínculos con los debates filosóficos, los avances tecnológicos y las circunstancias culturales y socio-económicas de mediados del siglo XX, la época posterior a la Segunda Guerra Mundial”.

“Por el color. Contra la línea y el dibujo” constituye una de las principales divisas de Klein, que formula en 1956. Este artista erige una la teoría artística que se articula en torno a dos principios: el color absoluto, en especial el azul ultramar saturado, que patenta en mayo de 1960 con el nombre de Internacional Klein Bleu (IKB); y el vacío, que limita creando lo que él llama “zonas de sensibilidad pictórica inmaterial”. Además, se dejan traslucir en la teoría artística de Klein: su faceta de experto yudoca del método Kodokan, su conocimiento y práctica del pensamiento de la Orden Rosacruz y su rechazo a los formalismos académicos y contemporáneos (desde los expresionistas abstractos, hasta ciertas actitudes de los artistas del grupo Realités Nouvelles cuando apuestan por el ocasionalismo de la mirada).

La exposición, de carácter antológico, plantea un recorrido por la biografía artística de Klein. Las propuestas, acciones y proyectos que vertebran su trabajo (los monocromos, las esponjas, el silencio de una sola nota titulado Sinfonía monótona, las pinturas de fuego, el vacío en su relación con el espacio, el antropomorfismo y las cosmogonías) evidencian su firme voluntad de explorar conceptos creativos de diversas maneras, sin limitarse al campo de la pintura. También muestran de qué manera sus gestos poéticos (apelación constante a la sensibilidad) viran hacia una acción que tiene resultados de orden cosmológico. Así, por una parte desaparece la mano del artista pues éste queda convertido en maestro de ceremonias (Antropometrías). Para ello realiza los monocromos de color con rodillo, para eliminar la huella del pincel y su huella personal. Otra de las consecuencias es la desaparición del objeto de las percepciones. Un ejemplo de ello es Estado de materia prima de sensibilidad pictórica estabilizada. Zona de sensibilidad (El vacío) (1958), donde no hay propiamente obra, sino una estancia a la exploración de su ausencia; un cambio de lo visible por lo invisible porque, como expresa el crítico de arte Javier Arnaldo, “es la experiencia absoluta de la percepción la que abre a esa vida sensible por encima de toda dimensión”. Así, Klein señala que la meta tanto de la pintura monocolor, como del vacío, es la identificación de la sensibilidad con el cosmos; a lo que se añade la asunción de la sensibilidad como materia prima de la pintura.

Luis Garay



Luis Garay (Murcia, 1893-1956) 

Nació en Nonduermas (Murcia) el 17 de septiembre de 1893 en el seno de una familia humilde, sin embargo con muy corta edad su familia establece su residencia en una casilla de peones camineros de Blanca y posteriormente en Abarán, regresando al destino del puerto de la cadena de Murcia en 1905.

Desde niño demostró interés y habilidades para el dibujo. Con doce años entró a trabajar como aprendiz en una tienda de ultramarinos donde conoció a Pedro Flores, que era un cliente, y a Clemente Cantos que trabajaba en otra. En 1908 se matriculó en las clases de dibujo de la Sociedad Económica de Amigos del País coincidiendo con los dos anteriores y José Planes, Joaquín García y Almela, teniendo como maestros a don Antonio Meseguer y don José María Sanz.

Al cerrar la tienda y junto a Pedro Flores comenzó a trabajar en un taller litográfico y aprendió técnicas fotográficas participando en las tareas del retoque fotográfico. De este modo pudo dedicar mayor tiempo a la pintura.

Luis Garay, es el pintor de las costumbres populares, de los paisajes rurales y los bodegones.

Garay realiza una pintura que se aleja de los temas de huerta y se acerca a los temas que reflejan su barrio. Nos muestra su entorno, la sociedad en la que vive, a través de escenas cotidianas y de las gentes que encuentra a su paso.Su melancolía traspasó su pintura alejándola de la pintura de Solana, del que era gran admirador y de la paleta de colores vivos del Mediterráneo.La vida de Luis Garay transcurre en relación con las mentes inquietas del momento: Pedro Flores, José Planes, Ramón Gaya, Clemente Cantos, Victorio Nicolás y Joaquín García y Almela.

Juan Bonafé Bourguignon



Juan Bonafé Bourguignon (Lima, 21 de mayo, 1901–Las Palmas de Gran Canaria, 1969) fue un pintor español especializado en el retrato.

Nacido en Lima, Juan Bonafé fue hijo del actor murciano del mismo nombre y de Magdalena Bourguignon. La familia se instaló en Madrid cuando el tenía ya siete años, pasando frecuentes temporadas en La Alberca (Murcia).
Regresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1917, donde iniciaría una larga amistad con Eduardo Vicente y el también murciano Ramón Gaya, que luego extiende a otros artistas de esa región, como Pedro Flores o Luis Garay. Inicia su faceta de ilustrador colaborando con la revista Verso y Prosa, y en 1927 concurre a la Primera Exposición Surrealista celebrada en Madrid. En 1936 se une al grupo de pintores convocados por Manuel Bartolomé Cossío para participar en el "Museo circulante" o "Museo del pueblo" de las Misiones Pedagógicas, junto a Blesa, Fernández Mazas y sus viejos amigos Vicente y Gaya, en la tarea de copistas de obras singulares.Una de las obras que copia Bonafé fue La Resurrección, de El Greco.

Fuera de su país participó en las muestras colectivas organizadas por la Sociedad de Artistas Ibéricos en Berlín y Copenhague, en 1934-35, y en 1937 figura entre los representantes del Pabellón España en la Exposición de Artes y Técnicas de París. En 1938 desempeñó temporalmente la presidencia de la Agrupación Nacional Sindical de Bellas Artes

Perdida la causa republicana, tras la Guerra Civil se exilia en Francia, y sobrevive dando clases de dibujo en Burdeos y más tarde llega a exponer en Toulouse realiza diversas exposiciones. Regresó a España en 1948 para refugiarse en la casa de su abuelo en La Alberca, donde es visitado por su amigo Ramón Gaya.

En 1960 recibió el Premio Villacís de la Diputación de Murcia por la obra El Valle. Murió en la Palmas de Gran Canaria a los sesenta y ocho años de edad.

Exposiciones en el extranjero

     En 1934-35 realizó una exposición colectiva en Berlín y Copenhague con la Sociedad de Artistas Ibéricos.

     En 1937 figura entre los representantes del Pabellón España en la Exposición de Artes y Técnicas de París. Poco después es nombrado Presidente de la Agrupación Nacional Sindical de Bellas Artes.

     Al terminar la Guerra Civil se ve obligado a exiliarse en Francia debido a sus activas relaciones con la política. En Burdeos dio clases de dibujo y en Toulouse realiza diversas exposiciones.

Alfonso Albacete



Alfonso Albacete (Antequera, Málaga, España, 1950)

Pintor y grabador español formado con Juan Bonafé, estudió  Bellas Artes y Arquitectura en Valencia y Madrid, exponiendo en la galería Marlborough. En 1988 el Museo Español de Arte Contemporáneo le dedicó su primera exposición retrospectiva.

Pintor fundamental de finales de los años setenta cuyo trabajo se articula en torno un cromatismo vital y abierto que da lugar a un diálogo recurrente entre abstracción y figuración.


Desde principios de los años noventa, su trabajo se mueve hacia una iconografía basada en los tres géneros principales de la pintura -el bodegón, la figura humana y el paisaje-, y que se mantiene a lo largo de su trayectoria bajo la influencia del expresionismo americano, el Pop Art y la mitología. En 1988 el MEAC Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid le dedica su primera exposición retrospectiva.


Su obra forma parte de museos y colecciones públicas como el CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria), Colección de Arte Contemporáneo "La Caixa" (Barcelona), Fundación Juan March (Madrid) o MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

se autorretrataba trabajando sin mostrar los resultados de lo que pintaba. Echando la vista atrás cree que su pintura de juventud estaba llena de energía y en la de ahora, en cambio, hay más sabiduría, más complejidad, menos inocencia. "La receta no es sencilla", comenta. Y es que sus influencias están en todas partes. En Juan Bonafé, en Cézanne, en Seurat, en Bonnard, en Piero della Francesca, en el expresionismo americano, en el pop y "todo aderezado con un empacho conceptual de los años 70". Ahora expone Del natural en la galería Juan Silió para la que ha reunido piezas de sus dos últimos exposiciones en las que hay "una relación directa con algo existente, con el modelo pero no para una reproducción fiel sino para alterar la visión de las cosas", matiza. 

PHILIP JONES



PHILIP JONES (Manchester, U.K., 1971) realiza sus studios en Central Saint Martins College y en The Royal College of Art de Londres. 

De 1994 a 1996 obtuvo la Beca TI Group en Pintura de The Royal College of Art y en 1997 la Beca Roma de Pintura de The British School at Rome. 

Expone individualmente en las galerías Fred de Leipzig y Londres y en Goff & Rosenthal, New York, entre otras. Ha participado también en exposiciones colectivas en centros institucionales como New Contemporaries en la Tate Gallery de Liverpool y en Camden Arts Centre de Londres y en galerías de arte como, The Most Splendid Apocalypse en la galería PPOW de New York y Shattered Love en Keith Talent Gallery de Londres.

Dibujante de cuadros atípicos, extraños y misteriosos que retratan un mundo salvaje y colorista en el que personajes teatrales  posan en un enigmático universo de estampados, geometría y pintura fluida, con influencias diversas:

  • James Ensor, a 
  • Willem de Kooning 
  • Bonnard a Josef von Stemberg
  • Tal R 
  • Picasso
  • Vuillard 
  • Cecil Beaton 
  • Hockney 
  • Noël Coward
  • Richard Lindner 
  • Tallulah Bankhead


El artista se vale de diferentes modos de utilizar la pintura para sugerir distintos tipos de luz, o de superficies, pero también de emociones y estados de ánimo. Plasma pequeños dramas de la condición humana repletos de ambigüedad. Usa la pintura como material emotivo, descriptivo de estados mentales, de percepciones emocionales. Puebla sus cuadros de formas escultóricas, de ilusiones ópticas que se disuelven en color líquido, en luces y sombras, para recrear un artificioso mundo decorativo, mutante, como un muestrario de estampados, de colores y formas; plagado de señales, de marcas, de manchas… Utiliza símbolos imaginados, fantasías metafóricas para recrear momentos dramatizados de evocaciones poéticas. Se inventa un mundo artificial en el que conviven la elegancia y la ordinariez, el refinamiento y la brutalidad.

http://philipjones.name/

Pier Paolo Calzolari



Pier Paolo Calzolari ( Bolonia , 21 de noviembre de 1943 ) es un artista italiano . Vive y trabaja en Lisboa , Portugal .

Se formó en Bolonia, donde realizó su primera exposición individual en 1965 en la sala de estudio Bentivoglio. Desde el año siguiente, abandonó las técnicas pictóricas tradicionales; en 1967, todavía en el Studio Bentivoglio, presentó la actuación titulada El filtro y la bienvenida al ángel con una referencia al trabajo de Pino Pascali . Pronto se convirtió en uno de los protagonistas de Arte povera . Entre los materiales más utilizados por Calzolari encontramos hielo, margarina, plomo derretido, rotulación de neón, materiales metálicos, orgánicos y naturales, maleable, con una preferencia por las relaciones que implican el concepto de transformación y agregando a los objetos físicos el sonido como una experiencia temporal. En el movimiento del arte pobre se destaca por la calidad poética y literaria de su trabajo con acciones al límite de la ejecución ( Song suspendido , 1973). Estuvo presente en la Bienal de Venecia en los años 1978, 1980 y 1990. En 1992 estuvo en Documenta IX en Kassel. En los años ochenta regresó a las obras pictóricas tradicionales con abstracciones de matriz metafísica y existencial, que ya se habían presentado previamente junto con las dimensiones afectivas.

Comenzando en 1972, el artista se enfoca en el estudio de la pintura de una manera profundamente no convencional.


Desde 1973 se traslada entre Bolonia, París y Milán, donde estableció durante ocho años la continuación de la investigación paralela entre pintura, escultura y performance. Finalmente se trasladó a Turín y creó instalaciones en la galería Tucci Russo que consistían en pinturas y representaciones de gran formato.

Alrededor de 1982 dejó Turín para ir a Viena, donde volvió a centrarse principalmente en la pintura. Después de un año y medio realiza un estudio en Creta, pero aquí el resplandor del sur impide cualquier realización formal de esta investigación. Encuentra el mismo problema en Marruecos, donde realiza una serie de dibujos de gran formato. Para encontrar los parámetros más adecuados para su trabajo, decidió regresar a Italia, e inicialmente a Venecia, donde eligió un estudio en la Giudecca. Desafortunadamente, el regreso de Calzolari en la ciudad de su infancia choca con una realidad profundamente cambiada, incapaz ahora de alimentar su curiosidad intelectual. En 1984, decidió entonces, por la calidad soñada de la luz, regresar al Montefeltro donde aún vive y trabaja. Durante su estancia en Urbino, Calzolari está invitado a participar en varias residencias en el extranjero, en particular en Francia (La Ferme du Buisson, Domaine de Kerguéhennec, Atelier Calder, Le Fresnoy) durante el cual trabaja en el baila, interesándose en el estudio de la relación entre el espacio, el cuerpo y el tiempo, y dando así un nuevo desarrollo a su trabajo performativo.

Ana Vidigal




Ana Vidigal nació en Lisboa en 1960, donde vive y trabaja. Se graduó en la pintura de Esbal en 1984. En 1999 gana el Premio Maluda y en 2003 el Premio Amadeo de Souza Cardozo. En 2010, el Centro de Arte Moderno de la Fundación Calouste Gulbenkian organizado, curada por Isabel Carlos, su primera exposición antológica titulada: La muchacha limpia Dirty Girl. Ha expuesto regularmente desde 1981, siendo la más reciente de 2015 – Guardia (me) Teatro Municipal de Guarda, Guarda; Amuse – Bouche, Diferencia Galería, Lisboa; 2014 – yugular, Instituto Camões Luanda, Angola; O ir t’on, cuarto del macho, Museo Nacional de Historia Natural y Ciencia, Lisboa?; Estamos insoportable, insufrible Tanto museo Nogueira da Silva, Braga; El primer extremo (estrictamente personal). Baginski Galería de Proyectos, Lisboa 2013 – Jua (de vivir) Júlio Resende Fundación, Porto; 2012 – Cámara de los Secretos, Centennial Instituto Superior Técnico, Lisboa; 2011 – estilo Queen Anne, Baginski Galería / Proyectos de Lisboa, y el cerebro es más profundo que el mar, Museu do Chiado, Lisboa. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas.
El tiempo y la memoria son los temas recurrentes que utiliza la artista portuguesa ANA VIDIGAL. En todo su trabajo existe un componente bidimensional, la artista busca recursos formales en un léxico tardo-cubista de motivos altamente estructurados, creando una tensión entre la poca profundidad del espacio pictorial y la palpable realidad de la superficie muy trabajada.

Explora una interacción peculiar de palabras y títulos de artículos de revistas que aluden a situaciones personales de su pasado, pero en las que, al mismo tiempo, el visitante puede encontrar paralelismos con sus propias experiencias.
Durante años, ANA VIDIGAL ha coleccionado todo tipo de material para la ejecución de su trabajo, sobre todo materiales encontrados bidimensionales que pueden mantenerse planos dentro de una superficie pintada, en especial papel. Recortando papeles, ensamblando distintas piezas, letras, imágenes y fotografías construye sus tesoros. Lo que le interesa, de todo éste conglomerado de cosas, no es solo el aspecto formal sino aquello que lo hace más intimo, la historia que esos materiales encierran. Esto es lo que ANA VIDIGAL utiliza al máximo en sus obras, en las que lo que quiere decir siempre juega un papel tan seductor como lo que oculta.
http://anavidigal.blogspot.com.es/

Juan Gris

 

José Victoriano González-Pérez, más conocido como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887-Boulogne-sur-Seine, 11 de mayo de 1927), fue un pintor e ilustrador español que desarrolló su actividad principalmente en París. Es considerado uno de los maestros del cubismo.

Nace en Madrid en 1887, en el seno de una familia bien situada, lo que le permitió entrar gradualmente en un ambiente de clase media.

Entre 1904 y 1906 estudia en la Escuela de artes y Manufacturas de Madrid y en el estudio de José Moreno Carbonero. En su adolescencia es ilustrador de publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico, además de ilustrar el contenido y cubiertas de obras literarias como Alma América de José Santos Chocano, Canciones del camino de Francisco Villaespesa y Alma. Museo. Cantares de Manuel Machado. Su estilo en estos años recuerda a Toulouse-Lautrec y los pintores modernistas catalanes.

En 1906, para evitar la milicia y conocer vida artística, se muda a París, donde conoce a Pablo Picasso, Fernand Léger y Georges Braque. Vivía en un hostal, en el Bateau-Lavoir de Montmartre durante unos diez años.

En sus primeros años parisinos subsiste dibujando para publicaciones como L'Assiette au Beurre, Le Cri de Paris, Le Témoin y Charivari.

Sus primeros intentos como pintor en el cubismo son en el año de 1910, cuando fue dejando gradualmente las labores de ilustración, aunque en los museos españoles existen pocos ejemplos de esta fase. El Museo Thyssen-Bornemisza posee un dibujo de 1911 que sorprende por su radicalidad.

Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hacen que Juan Gris en 1912 se incorpore al movimiento cubista. Ese mismo año entra en relación con el marchante Henry Kahnweiler, con quien firma un contrato en exclusiva un salto al cubismo con varias pinturas presentadas en el Salon des Indépendents de París. El verano de 1913 lo pasó en Céret, donde empezó a trabajar la técnica del papier collé: recortes de cartón y papel, en ocasiones obtenidos de periódicos, que se pegan sobre el lienzo para combinarse con el óleo. Fue su principal aportación al cubismo.

Tras unos pocos años de estrecha conexión, Juan Gris y Picasso se distanciaron tanto en lo artístico como en lo personal. Picasso fue evolucionando hacia un arte figurativo de gusto clasicista, en sintonía con la vuelta al orden que emprendieron muchos otros artistas como André Derain. Mientras, Juan Gris se mantuvo fiel al cubismo en una clave más colorista. Esta última etapa ha sido habitualmente subestimada por comparación con el cubismo analítico, pero ha recobrado estimación en fechas recientes y fue motivo de una antológica en el Museo Reina Sofía en 2005.
En sus últimos años Juan Gris diseñó escenografías para dos montajes de ballet de Diaghilev.

Falleció en Boulogne-sur-Seine el 11 de mayo de 1927.

Al igual que otros cubistas y que el arte moderno en general, Juan Gris tuvo escaso predicamento en los circuitos culturales españoles mientras vivió. Todavía décadas después de su muerte, su producción tenía escasísima presencia en los museos públicos.

A partir de la década de 1980 diversos museos y colecciones emprendieron la adquisición de pinturas suyas, gracias a lo cual actualmente existen varios conjuntos importantes. Hay que destacar el generoso muestrario del Museo Reina Sofía y el grupo de obras reunido por la fundación de la compañía Telefónica, que se expone en un edificio de la Gran Vía madrileña. Poseen también obras de Gris el Museo Thyssen-Bornemisza y la Academia de San Fernando, entre otras instituciones.

Willem de Kooning






Willem de Kooning (Róterdam, 24 de abril de 1904 - Long Island, 19 de marzo de 1997) fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, de la action painting o pintura gestual —pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still—; más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.


Los padres del pintor, Leendert de Kooning y Cornelia Nobel, se divorciaron cuando tenía unos cinco años de edad, y fue criado por su madre y un padrastro. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales, y, por la misma época, asistió a clases nocturnas en la Academia de Róterdam de Bellas Artes, donde estudió durante ocho años. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos, en el barco británico SS Shelly, hasta Newport, Virginia. De ahí fue hasta Boston, de Boston a Rhode Island y de allí, en barco, a Nueva Jersey.

Al final se estableció en Hoboken, Nueva Jersey, donde se ganó la vida como pintor de casas. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Graham y el pintor Arshile Gorky. Gorky fue uno de sus amigos íntimos.

Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró, ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas.

En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la Works Progress Administration, un nuevo proyecto de arte del gobierno federal. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937, cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado, debido a su estatuto de extranjero. Este período de unos dos años le dio al artista, que se había mantenido a lo largo de la Gran Depresión gracias a trabajos comerciales, la primera oportunidad de dedicarse plenamente al trabajo creativo. Varios murales que diseñó nunca se realizaron.

En 1938, probablemente por influencia de Gorky, de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas, incluyendo Two Men Standing, Man, y Seated Figure (Classic Male), al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas, tales como Pink Landscape y Elegy.

En 1938 conoció a Elaine Marie Fried, luego famosa como Elaine de Kooning, con quien se casó en 1943 y que fue también una artista significativa.

Durante los años 1940 se fue identificando cada vez más con el expresionista abstracto, movimiento del que se convirtió en uno de sus líderes a mediados de los años 1950. Conforme evolucionaba su trabajo, los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos, y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los cuarenta.

Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man, junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras, desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta.

Alrededor de 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en Pink Angels. En 1946, demasiado pobre para comprar pigmentos de artista, se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones; de estas obras, Light in August (c. 1946) y Black Friday (1948) son esencialmente negras con elementos blancos, mientras que Zurich (1947) y Mailbox (1947/48) son blancas con negro. Realizó su primera exposición individual, que consistía en composiciones en blanco y negro, en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948.

A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orienta hacia las abstracciones complejas, agitadas, tales como Asheville (1948/49), Attic (1949), y Excavation (1950; Art Institute, Chicago), que reintrodujeron el color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición por libre asociación con la que había luchado durante años.

Dio clases en los cursos de verano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage, Buckminster Fuller y Josef Albers, y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51. Viajó a Roma y San Francisco.

De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta, y de nuevo entre 1947 y 1949. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre, cuyo tema eran las mujeres. Comenzó con Woman I (Mujer I) (Museo de Arte Moderno de Nueva York), que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fuera terminado en 1952. En el mismo museo se encuentra Woman II (1952).

Concebía el arte como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Christa von Lengerke), como algo en lo que se trabaja con una intensa concentración dirigida exclusivamente al acto creativo sin predeterminarse su resultado. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas, con espesas capas de óleo. Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa, de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista cromático. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez, algo parecida, salvando las distancias, a la del español Antonio Saura", según Juan Antonio Ramírez.

Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería neoyorquina de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación por su descarnada técnica y porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones. Las composiciones son planas, impetuosas, reflejando una figura degradada de mujer. El pigmento, aplicado salvajemente, y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. Amplias sonrisas, dientes brillantes, pechos desmesurados más grandes que las cabezas, y bamboleantes, grandes ojos vacíos, muslos opulentos, parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre nutricia, depredadora y abusiva, una mujer de boca inmensa y mirada implacable, imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé).

También mostró algunas pinturas que parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas, con los ojos enormes, casi "que lo ven todo".

Durante más de diez años, de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer, una exagerada caricatura, "un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés" (Lengerke). Las pinturas Woman de la II hasta la VI (1952-53) son todas variaciones sobre el mismo tema, así como Woman and Bicycle (1953; Whitney Museum of American Art, Nueva York) y Two Women in the Country (1954). La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie Corps de Dame (1950), del pintor francés Jean Dubuffet, no menos cruda, en la que lo femenino, formado por una rica topografía de colores terrosos, se relacionan más directamente con símbolos universales.

En 1955, no obstante, de Kooning parece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer, como sugiere el título de su Woman as Landscape, en que la figura vertical parece casi absorbida por el paisaje abstracto. Siguieron luego una serie de paisajes tales como Police Gazette, Gotham News, Backyard on Tenth Street, Parc Rosenberg, Suburb in Havana, Door to the River, y Rosy-Fingered Dawn at Louse Point, que muestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica.

Sobre 1963, el año que se instaló de forma permanente en un estudio de Springs, Long Island, de Kooning volvió a representar mujeres en pinturas como Pastorale y Clam Diggers. Reexploró el tema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas como sus tempranas mujeres. En estas obras, que se han interpretado como ataques satíricos a la anatomía femenina, de Kooning pintó con extravagante lubricidad.

Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras, tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III; en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. A partir de 1970, inducido por Henry Moore, comienza a realizar grandes esculturas. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.

El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad, en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue galardonado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense.

Se le diagnosticó Alzheimer en los años 1980 y un tribunal lo declaró incapaz de administrar su patrimonio, por lo que quedó bajo la tutela de su hija desde 1989. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto, la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente; en las subastas de Sotheby's Pink Lady (1944) alcanzó 3,6 millones de dólares en 1987 y Interchanged (1955, también llamado Interchange) 20,6 millones en 1989 (este último lo adquirió el coleccionista japonés Shigeki Kameyama).1​ Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años, en 1989.

Se ha debatido mucho sobre la relevancia y significado de sus últimas pinturas, que se hicieron claras, casi gráficas, aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primeras obras. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vida de alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntaban sus obras tempranas, mientras que otros ven en sus últimas obras el precedente de los pintores de los años 1990 de líneas claras, y con una relación directa con artistas contemporáneos tales como Brice Marden. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas.


Jackson Pollock






Paul Jackson Pollock (Cody, 28 de enero de 1912-Springs, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento de expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo único de salpicar pintura.

urante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad siendo uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil. Tenía problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado.1​

Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico al conducir en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres.

En el año 2000 una película basada en su vida titulada, Pollock, dirigida y protagonizada por Ed Harris, ganó un Premio Óscar.

Pollock nació en Cody (Wyoming) en 1912, era el más joven de cinco hijos. Sus padres, Stella May McClure y LeRoy Pollock, eran oriundos de Tingley (Iowa). Su padre nació con el apellido McCoy pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Los Pollock eran vecinos de la familia McCoy y adoptaron a LeRoy después de la muerte de sus padres. Stella y LeRoy eran presbiterianos y de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa respectivamente.

LeRoy Pollock inicialmente granjero, posteriormente trabajó de agrimensor para el gobierno, desplazándose con su familia según el trabajo lo requería.

Jackson creció en Arizona y Chico, California.

Mientras vivió en Echo Park, Los Ángeles, Pollock se inscribió en la Preparatoria de Artes Manuales de Los Ángeles,sin embargo fue expulsado de la misma; Pollock ya había sido expulsado de otra preparatoria en 1928. Durante los primeros años de su vida, Pollock exploró la cultura de los Pueblos nativos de los Estados Unidos mientras acompañaba a su padre en sus viajes.

En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió, junto con su hermano, bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students League of New York. Las conversaciones sobre la América rural de Benton tuvieron poca influencia en Pollock, sin embargo su uso rítmico de la pintura y feroz independencia marcaron al artista.De 1938 a 1942, durante la Gran Depresión, Pollock trabajó para el Federal Art Project Works Progress Administration.

ratando de lidiar con su problema de alcoholismo, Pollock se sometió a psicoterapia junguiana con el Dr. Joseph L. Henderson entre 1938 y 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos quedaron expresados en sus pinturas.9​10​ Recientemente, algunos historiadores han indicado que es posible que Pollock haya padecido de un desorden bipolar.
llock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Recibió el encargo de crear la obra Mural (1943), que mide 2.43 x 6.04 m, para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil. Después de ver el mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: «Le eché un vistazo y pensé, "esto sí es arte extraordinario" y supe que Jackson era el pintor más grande que este país ha producido»

n octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora estadounidense Lee Krasner y en noviembre se mudaron a las afueras de la ciudad a Springs (Nueva York) en el área de East Hampton en la costa sur de Long Island. Con ayuda de un préstamo de Peggy Guggenheim, pudieron comprar una casa con un granero de madera en el número 830 de la calle Springs Fireplace. Pollock convirtió el granero en su estudio. En ese espacio perfeccionó su técnica de pintura de grandes "salpicaduras", con la cual se sentiría permanentemente identificado.

Pollock fue introducido al uso de pintura líquida en 1936 en un seminario experimental impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Más tarde utilizó el vertido de pintura como una de varias técnicas en lienzos de principios de la década de 1940 como Macho y Hembra y Composición Vertida I. Después de mudarse a Springs, comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura.

Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, "un resultado natural salido de una necesidad".

Utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura. La técnica de Pollock de verter y salpicar pintura es reconocida como uno de los orígenes del action painting (pintura de acción). Con esta técnica, Pollock logró un medio inmediato para crear arte: la pintura fluía literalmente desde la herramienta de su elección hacia el lienzo. Al desafiar las convenciones de pintura en una superficie vertical, el añadió una nueva dimensión al ser capaz de ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas direcciones.

Una posible influencia en el trabajo de Pollock era el trabajo de la artista ucraniana-estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (originalmente Jennie Lechovsky).​ Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su Galería, "El Arte de este Siglo" en 1945. Junto con Jackson Pollock, el crítico Clement Greenberg vio la obra de Sobel en la galería en 1946.16​ En su ensayo "American-Type Painting" ("Pinturas Tipo-Americanas"), Greenberg destacó que esas obras eran las primeras pinturas "all over" (cobertura total de la superficie) que él había visto y dijo que "Pollock admitió que esas pinturas habían causado una impresión en él".

Mientras pintó de este modo, Pollock dejó la representación figurativa y desafió la tradición occidental de utilizar caballete y pinceles. Para pintar utilizaba la fuerza de todo su cuerpo, la cual quedaba expresada en sus lienzos. En 1956 la revista Time apodó a Pollock "Jack el salpicador" ("Jack the Dripper", en referencia a Jack The Ripper), debido a su técnica de pintar.obre esto Pollock dijo:

"Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y literalmente "estar" en la pintura.

Continúo alejándome de las herramientas tradicionales de los pintores como los caballetes, las paletas y pinceles, etc. Prefiero varitas, palas de jardinero, cuchillos y pintura diluida o impasto con arena, vidrios rotos o cualquier otro material añadido.

Cuando estoy "dentro" de mi pintura, no soy consciente de lo que estoy haciendo. Tan solo después de un periodo de "aclimatación" me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo miedo a hacer cambios, destruir la imagen, etc., porque la pintura tiene vida propia. Intento dejarla salir. Es sólo cuando pierdo contacto con la pintura cuando el resultado es un desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la pintura resulta bien."

Pollock observó las muestras de pintura en arena de los navajo en 1940 y refiriéndose a este estilo de pintar en el suelo, Pollock declaró:

Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor de ella, trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es propio de los métodos de pintura en arena de los indios del Oeste.

Otras influencias sobre su técnica de salpicaduras provienen de los muralistas mexicanos y del automatismo surrealista. Pollock se negaba a confiar en "los accidentes"; usualmente tenía una idea de como quería que se viera cada obra en particular. Su técnica combinaba el movimiento de su cuerpo, que podía controlar, con el flujo viscoso de la pintura, la fuerza de gravedad y el lienzo. Era una mezcla de factores controlables e incontrolables. Arrojar, salpicar, verter y gotear, Pollock se movía con energía alrededor del lienzo como si fuera una danza y no se detenía hasta que veía lo que quería ver.


El estudio de Pollock en Springs, New York
En 1950, Hans Namuth, un joven fotógrafo, quería tomar fotos de Jackson pintando (moviéndose y quieto). Pollock prometió comenzar a realizar una pintura nueva especialmente para la sesión fotográfica, pero cuando Namuth había llegado, Pollock tuvo que disculparse, pues ya había terminado la pintura.


El trabajo de Pollock ha sido sujeto a varios debates críticos. El crítico Robert Coates describió las obras de Pollock como “explosiones desorganizadas de energía aleatoria, y por lo tanto carecen de significado".

En un famoso artículo publicado en 1952 en ARTnews, Harold Rosenberg utilizó el término "action painting" (pintura de acción), y escribió que «lo que debía estar en el lienzo no era una imagen, sino un evento. El gran momento llegó cuando se decidió a pintar 'sólo por pintar'. El gesto del lienzo era de la liberación del valor, la estética, lo moral». Mucha gente asume que basó su paradigma de "pintura de acción" en Pollock.


Clement Greenberg apoyaba el trabajo de Pollock con bases formalistas. Encajaba con su visión de la historia del arte como una purificación progresiva de la forma y la eliminación del contexto histórico. Consideraba que las obras de Pollock eran las mejores pinturas hasta la fecha y la culminación de la tradición Occidental mediante el Cubismo y Cézanne a Manet.

Reynold's News dijo en un encabezado de 1959, "Esto no es arte, es una broma de mal gusto".

El Congress for Cultural Freedom, una organización dedicada a promover la cultura y valores estadounidenses apoyada por la CIA, patrocinó exhibiciones del trabajo de Pollock. Algunos académicos de izquierda, principalmente Eva Cockcroft, han argumentado que el gobierno de los Estados Unidos y la élite adinerada apoyaban a Pollock y al Expresionismo Abstracto para colocar al país al frente del arte globalizado y devaluar el Realismo social.Cockcroft escribió que Pollock se había convertido en un "arma de la Guerra Fría"

La técnica de Pollock de pintar sobre un lienzo crudo fue adoptada por pintores de campos de color como Helen Frankenthaler y Morris Louis. Frank Stella utilizó la composición all-over ("en todas partes") como su sello distintivo en todos sus trabajos de los años sesenta. El artista de los happenings, Allan Kaprow, los escultores Richard Serra, Eva Hesse y muchos otros artistas contemporáneos han retenido el énfasis de Pollock en el proceso de creación; les influyó su acercamiento al proceso, no tanto el aspecto físico de la obra.

Robert Motherwell




Robert Motherwell (Aberdeen, Washington, 24 de enero de 1915 – 16 de julio de 1991) fue un pintor estadounidense y una figura destacada del expresionismo abstracto. Fue uno de los miembros más jóvenes de la llamada New York School (Escuela de Nueva York), que también incluía a Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning.
Se licenció en Filosofía en la Universidad de Stanford en 1937 y un año antes de finalizar sus estudios de doctorado en la Universidad de Harvard cambió de orientación y empezó a estudiar Arte e Historia en la Universidad de Columbia bajo las órdenes de Meyer Schapiro. Su extensa formación retórica le sería muy útil a Motherwell y sus compañeros expresionistas abstractos, así recorrió Estados Unidos impartiendo conferencias acerca de lo que estaban creando en Nueva York. Sin sus grandes capacidades comunicativas (además de su prolífica creación pictórica), otros expresionistas abstractos quizás no hubiesen visto la luz (como por ejemplo Rothko, que era extremadamente tímido y rara vez salía de su estudio). Los escritos completos de Motherwell ofrecen una excepcional visión del mundo del expresionismo abstracto. Era un escritor lúcido y seductor y sus ensayos se consideran una introducción perfecta para los que quieren leer sobre arte no figurativo pero no se aventuran en extensos y complicados tratados sobre arte.

El mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Prefería utilizar la dureza de la pintura negra como elemento básico; una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Su extensa serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" es generalmente considerada su proyecto más significativo. Motherwell fue miembro de la dirección editorial de la publicación vinculada al Surrealismo "VVV".

El Museo de Arte Moderno de Fort Worth alberga la mayor colección de obras de Motherwell. En el Empire State Plaza pueden encontrarse además algunas de sus obras. El Walker Art Center tiene una colección casi exhaustiva de sus grabados.

Helen Frankenthaler



(Nueva York, 12 de diciembre de 1928 - Darien, Connecticut, 27 de diciembre de 2011) fue una pintora expresionista abstracta estadounidense. Recibió la influencia de la obra de Jackson Pollock y de Clement Greenberg con quien también se vio involucrada en el Movimiento de Arte Abstracto de 1946-1960. Era la hija menor de un magistrado del tribunal supremo del estado de Nueva York. Estudió en la Escuela Dalton con Rufino Tamayo y también en el Bennington College de Vermont. Más tarde se casó con el también pintor Robert Motherwell.
Su carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición de «Montañas y mar» (Mountains and Sea). Este cuadro es de gran tamaño (7 por 10 pies) y tiene el efecto de una acuarela, aunque está pintada con óleo. En él, introduce la técnica de pintar directamente en un lienzo sin preparar de manera que el material absorbe los colores. Diluía mucho la pintura al óleo con trementina o queroseno de manera que el color empapase el lienzo. Esta técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) fue adoptada por otros artistas, destacadamente, Morris Louis y Kenneth Noland, y lanzó a la segunda generación de la escuela de pintura de campos de color. Este método dejaba al lienzo con un efecto de halo alrededor de cada área en la que la pintura se aplicaba.

En 2011 se cerró un capítulo memorable de la Historia del Arte: murieron los dos últimos grandes representantes del Expresionismo Abstracto: Helen Frankenthaler y Cy Twombly.

A menudo pasa desapercibida la gran aportación de Helen Frankenthaler a la historia del arte contemporáneo: una revolucionaria técnica que resultará fundamental en el desarrollo del expresionismo abstracto: La Stain Painting.

Adoptando la técnica del automatismo surrealista, tan importante para los pintores americanos, la stain painting consistía en el uso de la trementina como disolvente de la pintura, aplicada sobre el lienzo de tela sin preparar previamente. Si hay un aspecto menos conocido pero crucial en el desarrollo las dos subescuelas (action painting y color-field painting) del Expresionismo Abstracto desde su división a finales de los años 40 es el empleo de la técnica de la stain painting, conocido en castellano como técnica de la tela cruda, uno de cuyos precursores fue Joan Miró, quien en sus obras tempranas se resistía a preparar el lienzo a la hora de pintar.

Lo fundamental aquí es que Helen Frankenthaler vertía directamente la pintura sobre la tela, creando esas manchas características fruto de una suerte de casualidad controlada, como ocurría en las action paintings de Pollock. Precisamente Jackson Pollock fue uno de los grandes beneficiarios de esta técnica, pues el empleo de la misma enlazaba plenamente con su deseo de romper con los métodos tradicionales de la pintura en cuanto a las herramientas empleadas, al proceso de pintar en sí y al soporte a utilizar. Sus drippings y all overs pintados desde 1947 ganarán en intensidad y cuerpo gracias este revolucionario método.

Helen Frankenthaler resultaría tremendamente influyente para los color-field painters o pintores de campos de color, que convertiran el empleo de la stain painting en piedra angular de su producción artística.


Barnett Newman




Fecha de nacimiento: 29 de enero de 1905, Nueva York, Nueva York, Estados Unidos

Fallecimiento: 4 de julio de 1970, Nueva York, Nueva York, Estados Unidos

En exhibición: MoMA, Museo de Arte Moderno de San Francisco, Galería Nacional de Canadá

Newman nació en Nueva York, hijo de inmigrantes judíos del Este de Europa. Estudió filosofía en el City College of New York y trabajó en el negocio de su padre realizando ropa. Desde los años 1930 pintó cuadros, que se dice que eran de estilo expresionista, pero con el tiempo destruyó todas estas obras.

Barnett Newman trabajó primero como escritor y crítico; organizó exposiciones y escribió catálogos. Sólo más tarde se convirtió en un miembro del Uptown Group.

En los años 1940 trabajó primero en un estilo surrealista antes de desarrollar su estilo maduro. Este se caracteriza por sencillas composiciones en las que una amplia área de color -un campo de color- es traspasado por una o dos finas líneas verticales, a las que Newman llamaba «zip» (cremallera).

En sus primeras obras de la década de 1940, Newman intentó desligarse de las influencias contemporáneas; sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos.

En las primeras obras que presentan zips, los campos de color son variados, pero más tarde los colores son puros y lisos. El propio Newman consideró que alcanzó plenamente su estilo maduro con la serie de Onement, a partir de 1948. Onement I (Colección Newman, Nueva York), se reduce a un lienzo de sólido color roto por una única banda vertical (zip) en contraste, una composición que volvería a utilizar. Estas bandas de color verticales adquieren un relieve intenso, crean una tensión, un dramatismo sobre el lienzo que atrapa al espectador, a la vez que divide en dos campos de color análogos la composición rectangular. Con las bandas definen la estructura espacial de la pintura, mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición.

Esa línea vertical se mantuvo como un rasgo constante en la obra de Newman a lo largo de su vida. En algunas pinturas de los años 1950, como The Wild, que mide 244 cm de alto por 5 cm de ancho, la línea vertical es lo que ocupa toda la obra.

Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas, y muchas de ellas carecieron en origen de título, los nombres que les puso más tarde dan pistas sobre los temas específicos a los que se refieren, a menudo con un tema judío. Dos pinturas de principios de los años cincuenta, por ejemplo, se llaman Adam (Adán) y Eve (Eva) (véase Adán y Eva), y hay también un Uriel (1954) y un Abraham (1949), una pintura muy oscura, que además de ser el nombre de un patriarca bíblico, era también el nombre del padre de Newman, fallecido en 1947.

La serie Estaciones de la Cruz, de pinturas en blanco y negro (1958-64), comenzaron poco después de que Newman se hubiera recuperado de un ataque al corazón, y es usualmente considerada la cumbre de sus logros artísticos. La serie se subtitula «Lema sabachthani» («¿Por qué me has abandonado?»), palabras que se atribuyen a Jesucristo en la cruz. Newman vio que estas palabras tenían un significado universal en su propia época. La serie también se ha visto como un monumento conmemorativo a las víctimas del holocausto.

Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros, rebasando el campo de visión del espectador. Ejemplo de ello son sus obras tardías, como la serie Who's Afraid of Red, Yellow and Blue (Quién teme al rojo, amarillo y azul), en la que se usan colores vibrantes y puros en lienzos de gran tamaño. Anna's Light (La luz de Ana) (1968), titulado así en memoria de su madre, fallecida en 1965, es su obra más grande, 28 pies (853 cm) de ancho por 9 de alto (274 cm). Newman también trabajó en shaped canvases (lienzos con forma diferente a la rectangular), con obras como Chartres (1969), por ejemplo, en forma triangular. El gran tamaño de los lienzos y las formas variadas son un rasgo específico de la «Nueva Abstracción» estadounidense, de manera que «la forma del soporte determina la estructura interna de la obra»; y puede verse no sólo en Newman, sino también en otros pintores como Frank Stella o Kenneth Noland

Estas últimas pinturas se ejecutaron con pintura acrílica más que con el óleo de las obras anteriores.

Al igual que otros artistas de esta tendencia, sus obras tienen un contenido místico y espiritual, hasta el punto de que a veces se ha llamado a su estilo «abstracción mística».

Newman murió en Nueva York de un ataque al corazón.

Mark Rothko

Mark Rothko

 Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rotko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.1​ En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. En torno a 1940 realizaba una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomórficas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Con el paso de los años, la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación.

Un episodio depresivo, posiblemente relacionado con la ingesta de antidepresivos, y su gran adicción al alcohol llevaron a Rothko al suicidio. Ciertas fuentes aseguran que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra, siendo esta última de tonos más oscuros, y que podría servir de introducción al trágico final del autor.

Peter Krauskopf



Leipzig (Alemania) , 1966

La producción de Krauskopf además de beber del Romanticismo, también tiene influencias del Suprematismo ruso, liderado por Malevich, y de la pintura de campos de color promovida por la Escuela de Nueva York, que anticiparía estilos como los de Mark Rothko, Barnett Newman y Helen Frankenthaler, a los que el artista germano siempre ha investigado.


A lo largo de su trayectoria, Krauskopf ha unido tradición y contemporaneidad mediante un lenguaje abstracto con el que configura vistas de diversos formatos, en las cuales incluye otros paisajes que el espectador descucbrirá si observa detenidamente.


Nacido en Leipzig, en 1966, donde se formó en la Hochschule für Grafiklaind Buchkunst, actualmente reside y trabaja en Berlín. Desde el comienzo de su carrera ha participado en numerosas exposiciones como las celebradas en la Mies der Rohe-Haus, en 2007; el Foro Kunst Rottweil o el Kunsthalle Lingen, ambas en 2008; y la Berlin Clondyke de Canadá, en 2011. “Das versprochene Land”, Galerie Neue Meister, Albertinum, Dresden en 2011 y en el 2012 con “Landschaft mit abstrakte Gemälde” en el Albertinum, en Dresden. Asimismo, su obra se puede contemplar en numerosas colecciones públicas y privadas.

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