jueves, 12 de mayo de 2016

José Naranjo Ferrari



Nace en Cantillana, Sevilla en 1981.
Cursa estudios en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, en la cual ingresa en 1999 y es licenciado en Junio del 2004, en la especialidad de pintura. Ha sido becado por la Diputación de Segovia y el Ministerio de Cultura para la beca de paisaje "Pintores Pensionados del Palacio de Quintanar" (Segovia 2004) y la beca de paisaje de la Fundación Rodríguez- Acosta (Granada 2005).Actualmente becado por la Consejería de Innovación y Ciencia con una beca de investigación predoctoral en el departamento de Pintura de la Facultad de BB.AA. de Sevilla.
Datos personales
Nombre y apellidos: José Naranjo Ferrari
Lugar y fecha de nacimiento: Cantillana, (Sevilla) 25/11/1981

Formación académica
2010 Diploma de Estudios Avanzados (DEA).
2004-2005 Curso de Aptitud Pedagógica (C.A.P.).
1999-2004 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Especialidad de Pintura.
Actividad docente
2010- Momento actual Profesor contrato en prácticas de la asignatura "Pintura Mural" de 4º Curso de Bellas Artes, Universidad de Sevilla.
BECAS
2007- Momento actual Beca de Personal Investigador en Formación (FPI).
2007 Beca de Pintura Fundación Rodríguez-Acosta, Granada.
2006 Curso de pintura de El Paular "pensionados del Quintanar", Segovia.
2011
Seleccionado en el LXIV Premio Nacional de Pintura "José Arpa". Carmona.
Finalista en el XV Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera.
2010
Finalista en el XXIV Salón de Otoño de Pintura. Huelva. Casa de Colón.
2009
Segundo Premio en el X Premio de Pintura "Timoteo Pérez Rubio". Oliva de la Frontera. Badajoz.
Seleccionado en el VII Certamen Nacional de Pintura "Juan Roldán" Claustro del Ayuntamiento. El Viso. Sevilla.
Premiado en el XIII Premio Ibérico de Pintura "Doñana 2009". (Adquisición) Pinacoteca de Almonte. Huelva.
Seleccionado en el XV Premio Nacional de Artes Plásticas "Universidad de Sevilla" Sala de exposiciones Facultad de Bellas Artes de Sevilla.
2008
Finalista VI Edición Premio Club del arte PAUL RICARD.
Seleccionado en el LXI Premio Nacional de Pintura "José Arpa". Carmona.
Seleccionado en el XXIX Certamen Nacional de Arte Contemporáneo Ciudad de Utrera.
Mención de Honor en el XIX Premio de Pintura Gustavo Bacarisas. Sevilla.
Seleccionado en el VI Premio Nacional de Pintura "Juan Roldan". El Viso. Sevilla.
2007
Finalista en el I Premio Fundación Cajasur de Pintura. Córdoba.
Primer Premio XIX Certamen de Artes Plásticas "Miguel González Sandoval". Lora del Río, Sevilla.
Seleccionado en el IX Certamen de Pintura Grúas Lozano 2007.
Finalista XXVIII Certamen Nacional de Arte Contemporáneo "Ciudad de Utrera".
Seleccionado en el XXXIV Concurso Internacional de Pintura de Alcalá de Guadaira. Museo de la ciudad. Sevilla.
2006
Accésit en el Certamen ARTE JOVEN 2006. Consejería de Obras Públicas y Transportes. (Obra adquirida).
Seleccionado en el Premio Nacional de Pintura INGEARTE XXI. Edición 2006.
Finalista IV Edición Premio Club del arte PAUL RICARD.
Primer premio Certamen Nacional de Pintura Exmo. Ateneo de Sevilla. Fundación Ramón Areces.
Primer premio del IV Certamen Nacional de pintura Juan Roldán El Viso. Sevilla.
2º premio LIX Premio Nacional de Pintura "José Arpa" Carmona.
Seleccionado en el XXXIV Concurso internacional de pintura de Alcalá de Guadaira. Sevilla.
2005
Seleccionado en el VII Premio Internacional de Pintura FOCUS- ABENGOA 2005.
2º premio en el XXXIII Concurso Internacional de Pintura de Alcalá de Guadaira. Sevilla.
2004
Seleccionado en el Premio Internacional de Pintura FOCUS-ABENGOA 2004. (Obra adquirida).
Obra Seleccionada en el X Premio Nacional de Artes Plásticas "Universidad de Sevilla".
Seleccionado en el VI Premio de Pintura Forum Arte-Sevilla 2004.
Obra premiada en el X Certamen Nacional de Pintura "Ciudad de la Palma del Condado". Huelva.
Seleccionado en el 47 Premio Nacional de Pintura "Ciudad de Ayamonte". Huelva.
Seleccionado en el Certamen Nacional de Pintura Exmo. Ateneo de Sevilla.
2002
Seleccionado en la I Muestra de Arte Contemporáneo MINARTE. Sevilla.
2001
Primer premio cartel de feria. Ayuntamiento de Cantillana. Cantillana. Sevilla.
Obra seleccionada en el Certamen Nacional de Pintura "XXXI Salón de Otoño" San Fernando. Cádiz.


martes, 10 de mayo de 2016

Ángeles Agrela Romero



ANGELES AGRELA Ubeda (Jaén) Spain 1966
Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada (España)
Actualmente vive y trabaja en Granada, (España). Ha residido en Nápoles, La Habana y Berlin.
Artista multidisciplinar que trabaja con el tejido, el vídeo, la fotografía, la pintura, el dibujo y la obra gráfica. Su proceso creativo normalmente sigue una línea argumental y un grupo de obras va dando paso a otras como partes de una misma historia. Su trabajo siempre ha estado muy relacionado con el cuerpo y trabaja siempre con referencias al propio arte, o al hecho de ser artista, o qué tipo de artista.
Desde 1994 ha celebrado más de treinta y cinco muestras individuales tanto en galerías privadas de España y Holanda como en Instituciones públicas de Italia, Francia, Alemania y España…. Y colaborado en exposiciones colectivas en Suiza, México, Berlín, Miami o Brasil, Nueva York.
El año pasado fue galardonada con la 30ª edición del Premio BMW de Pintura con la obra "Retrato nº51:

Premio del Público de las Artes Plásticas del Canal Sur. Y en 2010 con el Premio de Artes Plásticas del Gobierno de Cantabria.
Su obra se encuentra presente en colecciones como la del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla), Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (A Coruña), Colección L´Oreal España, Colección Caja San Fernando (Sevilla), Fundación El Monte (Sevilla), Colección Cajastur (Gijón), Caja Vital Kutxa (Vitoria),Gobierno de Cantabria. Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, Fundación Provincial de Artes Plásticas Rafael Botí (Córdoba), así como en las colecciones de las Diputaciones Provinciales de Granada, Jaén, Cádiz, Málaga y Huelva.


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lunes, 16 de junio de 2014

Linnea Pergola

La creatividad de Linnea Pergola hace de sus pinturas una fusión de drama y encanto. Su trabajo consiste en una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida y de la fantasía.

El Tema del artista es tan diverso y ecléctico como sus antecedentes y viajes. Estudió Historia del Arte, Geografía Cultural, idiomas chino e Historia en la Universidad Estatal de California en Northridge y ha viajado a los países menos frecuentes de Rusia, Escandinavia y Polonia, así como de las Filipinas con el Cuerpo de Paz.

Es su amor por los diferentes lugares y culturas que ella ha visto y estudiado y la historia que ella ha absorbido que le han dado un depósito abundante en la que se sumerge la pluma y el pincel. Aunque muchos temas inspiran a Linnea son los paisajes urbanos los que se observan con mayor frecuencia en toda su obra. Ella abraza un ambiente distinguido y estilos de vida, la arquitectura, la iluminación y la alta energía de las ciudades que encienden su imaginación. El espectador cautivado, se transporta a diferentes momentos.

Nacido en Los Ángeles en 1953, Linnea ahora reside en Nueva Jersey. Desde marzo de 1989 se dedica a la labor del presente Linnea Pergola ha demostrado en muchas galerías incluyendo a Martin Lawrence, Roberts Gallery of Scottsdale y The Ambassador Gallery de Nueva York.

El deseo de Linnea Pergola para expresar su creatividad única es la fuerza impulsora que inspira y le guía a fusionar los diversos elementos del drama y el encanto ingenuo tanto en sus cuadros multimedia y serigrafías. El Cuerpo de la obra de Pergola es una colección de retratos cautivantes y fascinantes de la vida impregnada de fantasía para revelar la respuesta pura y sin afectación del artista para su tema. Pergola admira los colores y estados de ánimo de Georgia O'Keefe, las fuertes ilustraciones de NC Wyeth y las escenas suaves de la vida del sueco Carl Larson. Un instructor de hace mucho tiempo animó Pergola a experimentar con nuevos medios y técnicas, y la presentó a la complejidad y los contrastes que se puede 
lograr a través del dominio de la pluma y la tinta. Pergola utilizó sus características distintivas para componer el estilo singular de su arte. Una vez que el sujeto inspira Pergola, se transforma por el artista en una nueva realidad. A menudo, la imagen se cambia antes de la primera línea que se coloca sobre el lienzo o el papel, mientras que otras veces la imagen cambia gradualmente a medida que el artista interactúa con la imagen. Para empezar, Pergola crea un dibujo detallado de la pluma y la tinta china. El artista se da un mayor sentido de profundidad a la escena añadiendo sombras grises con un pincel y tinta diluida. Todo el tiempo, Pergola debe anticipar el efecto visual de cada pluma y pincel de tinta. La pintura de aceite se utiliza para dar detalles adicionales y la emoción visual coloreando algunas o todas las áreas vacías de lienzo o papel. Cuando el uso del color en las zonas seleccionadas solamente, Pergola se centra la atención del espectador sobre los elementos individuales que se siente son más significativos dentro de la imagen en general.

miércoles, 16 de abril de 2014

María Xesús Díaz


María Xesús Díaz A Coruña, 1957 Su madrugadora vocación artística le lleva a introducirse en el dibujo y la pintura siendo muy joven. Cursa estudios en La Escuela de Artes de su ciudad natal. Su estilo impresionista está lleno de misterio, soledad y calma, los frutos de sus escenarios desembocan siempre en sentimientos y sensaciones reconfortantes. Acercarse a su pintura es acercarse a su interior.
En 1987 expone por primera vez en Madrid, en la I Muestra de Unión Fenosa de Arte Contemporáneo y, a continuación, en El Ayuntamiento de A Coruña. 
Entrado el siglo XXI, traspasa las fronteras de Galicia y del territorio nacional, la artista se siente más plena. El color prevalece más que nunca sobre el dibujo, y el impresionismo se hace cada vez más patente. Uso completo de la paleta. Los escenarios urbanos toman fuerza, casi siempre imaginados y bajo una interpretación muy personal. La espátula se convierte en instrumento esencial. Su obra visita ciudades peninsulares como Córdoba, Marbella, Madrid, Barcelona, Ferrol, Ciudad Real, Monzón, Zaragoza, Buitrago del Lozoya, La Rioja, Girona, Vigo, Plasencia, A Coruña, Baiona, Santiago, Valencia y Porto do Son. y europeas como París y Oporto.

Participa en diversas Ferias de Arte: FAIM (Madrid 2005-2006), ARTERIA (Monzón 2007), PURO ARTE (Vigo 2007), ARTZ (Zaragoza 2007), FEIRA DAS ARTES PLÁSTICAS (A Coruña, Baiona 2008-2009-2010), AEdAL (Valencia 2011).
Sus pinturas son escogidas para decorar los estudios de grabación de la serie Matalobos, emitida por la televisión de Galicia e ilustra libros y revistas. Su obra está repartida en distintas colecciones públicas y privadas.
La autora sorprende con unas pinturas de belleza perturbadora e inquietante, a las que el personal tratamiento del color presta  una dimensión nueva y sugerente, llena de matices e infinitas lecturas. 
Sonia Garrido, escritora y periodista

Los paisajes en contrapunto con las manchas abstractas nos dejan un lenguaje pictórico claro y puro. Sentir la diferencia del mundo real es una de las claves para comprender la pintura de María Xesús. 
Magno Fernandes dos Reis, periodista e historiador. 
María Xesús Díaz inventa su propia realidad, una realidad transparente que deja entrever su alma. Un alma intensa, fuerte y llena de contrastes, más al tiempo, sensible y sutil. Expresiva y profunda, la autora se preocupa principalmente de la estética y del sentimiento, fines que consigue sin problemas a través del exquisito manejo de la espátula, que le permite escribir con el color de su interior.
Patricia Nogueira, crítica independiente



Walter Dexel


Nace en München 1890 y muere en Braunschweig 1973. 
Walter Dexel es uno de los exponentes destacados del Constructivismo de 1920. Como pintor Dexel fue un autodidacta . Estudió historia del arte Heinrich Wölfflin y Fritz Burger en Munich 1910-1914 . Al mismo tiempo recibió clases de dibujo privados con H. Gröber . En 1916 Walter Dexel se graduó de la universidad con un doctorado.

En 1912-1913 realizó sus primeras fotografías durante un viaje de estudios a Italia. Sus primeros cuadros fueron influenciados por los paisajes de Cézanne , con su obra posterior está influenciado por el cubismo y el expresionismo . En 1914 Dexel celebró su primera exposición individual con cuadros cubistas en la " Galerie Dietzel " en Munich.

En 1918 Walter Dexel se convirtió en jefe de exposiciones en Jena, donde realizó las primeras exposiciones con Campendonk y más tarde con artistas de la Bauhaus como Moholy -Nagy . A principios de la década de 1920 la obra de Dexel pasa al constructivismo.

Walter Dexel no se limitaba a las pinturas sobre tabla ,  también trabajó como tipógrafo , diseñador de publicidad y de interiores y decorados . En 1928 , escribió un libro titulado " Das Wohnhaus von Heute ", junto con su esposa Grete Dexel , lo que refleja el interés del artista en las cuestiones de la vida moderna , que el artista mostró desde muy temprana edad .

En 1921 se desarrolló una estrecha amistad con el artista holandés De Stijl Théo van Doesburg . Durante el mismo año Dexel tuvo varias exposiciones en la galería de Berlín Herwarth Walden " Der Sturm " .

Desde 1928 hasta 1935 Walter Dexel trabajó como profesor de diseño gráfico en la Magdeburg " Kunstgewerbeschule " . Fue despedido de su puesto en 1935 por los nazis. Ese mismo año Walter Dexel abandonó la pintura . Walter Dexel comenzó a trabajar en el arte nuevo en 1961. En 1973 Dexel murió en Braunschweig a la edad de 83 años.

jueves, 10 de abril de 2014

Hannah Greely

 
Greely nació en Dickson , Tennessee, en 1979 ; vive y trabaja en Los Ángeles.

Estudios:
2002 University of California Los Angeles, BA 

Premio
2005 Recibe el premio de Louis Comfort Tiffany Foundation Award

Hannah Greely a menudo replica objetos cotidianos. Algunas de sus esculturas son reproducciones precisas de alimentos , botellas de cerveza o piezas de muebles. Su estrategia crea un cambio semántico sutil y juguetonamente aleja sus objetos de lo familiar . En una serie muy reciente , la artista se inspira en las obras de arte clásicas una escultura metálica de alambre que refleja el original exactamente a escala . Su enredo con la Copa de Plata ( 2012 ) devuelve naturaleza muerta de Chardin a su estado original tridimensionalidad . El cable flexible de menos que también produce una gran cantidad de giros y vueltas que casi eclipsa elementos figurativos de las originales. Tridimensionales bodegones de Greely y su diálogo juguetón con las tradiciones visuales llevan a un lenguaje único del artista.
En el Super Cell, una escultura que se eleva a una altura de tres metros , Greely ha establecido a sí misma el reto de la escultórica que representa un fenómeno evanescente . Su toma literal sobre el tema muestra un delicado sentido del humor : un aguacero es evocado por una espuma de " nube " de color gris sostenida por una serie de varillas de acero que se sumergen en una base de acero pulido, con forma de forma desigual lo que sugiere un charco. La "lluvia" de acero revela el contorno de una figura humana que lucha a través del " charco " . Esculturas más recientes de Greely ocasionalmente traicionan rasgos antropomórficos. En Eyewitness , la colocación cuidadosa en un tablero de dos bolas de cristal rodeado de giros ornamentales de acero sugiere globos oculares humanos y las cejas. Superficies brillantes de los cristales hacen que el público sienta que la escultura los sigue con su " mirada " .
Como ella señala , el artista no los percibe como los estudios preliminares a sus esculturas , sino como una parte autónoma de su trabajo : "Mis dibujos que hacen como una forma de permanecer abierto de forma creativa . Yo suelo dibujarlos justo después de que me despierto por lo que mi mente está abierta y más cerca del estado de sueño. Es entonces que los signos y los símbolos disfrutan asociaciones más flexibles y están más libres  las nuevas ideas pueden surguir .  Yo preferiría que mis obras sean vistas como momentos o escenas que sugieren una narración , pero que son ambiguas, ilimitado , y en constante cambio . "
Las obras de Hannah Greely han destacado en la Bienales de São Paulo ( 2011 ) y Venecia ( 2003 ) , en la Bienal de Whitney, Nueva York ( 2010 y 2006).
http://hannahgreely.com/home.html

miércoles, 9 de abril de 2014

Horst Janssen


Horst Janssen ( 14 noviembre 1929 hasta 31 agosto 1995 ) fue un dibujante, grabador , cartelista e ilustrador alemán . Janssen nació en Hamburgo . Su madre, Martha Janssen, era modista de Oldenburg ; él nunca conoció a su padre . Janssen fue criado por su madre y abuelos en Lerchenstrae 14 , Oldenburg . Fue adoptado por su abuelo.
En 1942 , comenzo sus estudios en el Instituto Nacional de Política de Educación (en alemán: Nationalpolitische Erziehungsanstalt o Napola ) en Haselünne , Emsland , donde un profesor de arte , Hans Wienhausen, animó su talento artístico. Su madre murió en 1943. 
En 1944, fue adoptado por la hermana menor de su madre , Anna Janssen, y se trasladó a Hamburgo, donde vivía. Vivía con su tía Anna en Burchardstrae durante la guerra y la posguerra . Más tarde se trasladó a Warburgstrae ( Harvestehude ) . En 1946 , a la edad de dieciséis años, Janssen se matriculó en la Landeskunstschule ( escuela de arte regional) en Hamburgo, donde estudió con Alfred Mahlau , demostrando ser un alumno excepcional desde el principio.
Tuvo una prolífica producción de dibujos , grabados, xilografías , litografías y grabados en madera .
Janssen fue alumno de Alfred Mahlau al Landeskunstschule Hamburgo. A principios de la década de 1950 , comenzó a trabajar en la litografía , fue una iniciativa del fabricante de papel Aschaffenburg Guido Dessauer , utilizando los medios técnicos de una fábrica de papel de color . La primera retrospectiva de los dibujos de Janssen y obra gráfica se mostró en 1965 , por primera vez en  kestnergesellschaft Hanover, luego en otras ciudades alemanas y en Basilea . 
En 1966 , fue galardonado con el Premio Edwin Scharff de Hamburgo. 
En 1968 , recibió el Gran Premio en el arte gráfico en la Bienal de Venecia.
En 1977 , sus trabajos fueron exhibidos en la Documenta VI de Kassel.
En El Museo Horst Janssen de su ciudad natal de Oldenburg se encuentra dedicado a su legado. Su obra se muestra a nivel internacional en los principales museos .

martes, 8 de abril de 2014

Vladimír Houdek



Nació 1984 en Nové Mesto na Moravě / República Checa, ahora trabaja y vive en Praga. 
El pintor Vladimír Houdek pertenece a la generación de neomodernista de artistas jóvenes que no tienen miedo a experimentar con la pintura clásica y crear nuevas formas visuales a través de una confrontación imagenes y conceptos de modernistas y posmodernistas. Nacido en la Ciudad Nueva en Moravia, Houdek  está terminando sus estudios de pintura en la Vladimir Skrepl Estudio en la Academia de Bellas Artes de Praga . En 2010 ganó el primer premio en el Premio de Pintura Joven , y en el mismo año fue nombrado Personalidad del Año . En 2012 , finalmente ganó el Premio Jindřich Chalupecký .

Se expresa mediante ciclos temáticamente integrados de imágenes basado en ya sea formatos grandes o en miniatura. El artista afirma que su imágenes, Concebida de referencias como en capas a la historia del arte , comienzan en la base de la intuición y sólo se transforman en su forma final racional Durante el proceso real de la pintura . Él busca inspiración para sus Consideraciones acerca de la pintura de muchas fuentes diferentes , y sus puntos de partida metodológicos determinar tanto el carácter mental y formal de la obra , cuya corriente visual especificidad es un esquema de color gris-negro , y la configuración de la invención de formas dentro de la imagen .

Educación: 
Desde 2007 estudia en Praga Academia de Bellas Artes, Pintura Estudio de Vladimír Skrepl. 
2009 una estancia de medio año en el estudio de Ladislav Šaloun, supervisor-Jan Merta. 
2011 una estancia de medio año en el estudio de Ladislav Šaloun, supervisor-Silke Otto-Knapp 

Premios: 
Premio Chalupecký Jindřich de Jóvenes Artistas 2012 
El ganador del Premio de la Crítica de Arte Joven del año 2010. 

Colecciones: 

ACT - Colección de Arte Telekom 
Colección de Dorothea Zwirner 
Colección de arte contemporáneo de Richard Adam 
Zeman Collection 
Colección de Fait Galería 
Klatovy / Klenová Galería

viernes, 4 de abril de 2014

Liliana Porter


Liliana Porter  (Buenos Aires, 1941) es una artista argentina contemporánea. Artista multimedia, combina la fotografía con la pintura.

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y en la Universidad Iberoamericana de Ciudad de Méjico; obtuvo la Beca Guggenheim en 1980 y la Beca New York Fundation for the Arts en 1985.


Ha expuesto individualmente en el Museum of Modern Art (MOMA) de New York, en los Museos de Bellas Artes de Caracas y Santiago de Chile, en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, en el Museo Nacional de Artes Plásticas de Montevideo, en la Universidad de Carolina del Norte, en el Instituto de Cultura de San Juan de Puerto Rico, en el Bronx Museum for the Arts de New York, en la Universidad de Texas en Austin, en el Phoenix Art Museum de Arizona, en el Museo de Bellas Artes Juan Manuel Blanes de Montevideo…



Su obra está presente, entre otras importantes colecciones, en el Metropolitan Museum de New York, Museum of Modern Art (MOMA) de New York, University Art Museum de Austin, Texas, Fundación Gulbenkian de Lisboa, Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro, Boras Kunstmuseum de Boras, Suecia, Philadelphia Museum of Art de Pennsylvania, Phoenix Art Museum de Arizona, Phillip Morris Collection de New York, Smithsonian American Art Museum de Washington, Musée d’Art Contemporaine de Montreal, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y de Panamá, Museo de Arte Moderno de Bogotá, de Buenos Aires, de Cali y de Rio de Janeiro, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, de Caracas y de Santiago de Chile, Museo del Barrio de New York, Museo Tamayo de Méjico, ATT Corporation de New York, Chemical Bank de New York, IBM Corporation de New York, The Chase Manhattan Bank de New York, de Hong Kong y Buenos Aires y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.


Premios
Guggenheim Fellowship (1980)
The New York Foundation for the Arts Fellowship (1985, 1996, 1999)
Premio Konex: Técnicas Mixtas (1992)
NEA Mid-Atlantic Regional Fellowship (1994)
Professional Staff Congress-CUNY Research Award (1994–2004)
Premio Konex de Platino: Técnicas Mixtas (2002)
Premio Konex: Arte Conceptual (2012)

http://lilianaporter.com/

jueves, 3 de abril de 2014

Jorge Galindo


Nacido en Madrid, el 9 de noviembre de 1965, Jorge Galindo vive y trabaja en Borox, Toledo.

Desde sus primeras obras, expuestas a mitad de los ochenta, Jorge Galindo intercala la pintura con los collages fotográficos. La obra de Galindo esta próxima a la abstracción gestual, concediéndole una especial relevancia a las intervenciones del azar y los aspectos matéricos. De la década de los noventa datan los fotomontajes en los que emplea imágenes procedentes de los medios ilustrados en los años cincuenta y sesenta y en los que se expresa una crítica a la sociedad de consumo. Su primera exposición tiene lugar en la Galería Víctor Martín (Madrid, 1989). Desde 1993 introduce en su obra palabras y textos. En 1994 expone en la Galería Soledad Lorenzo. La obra de Galindo, se ha desarrollado mediante series con una clara unidad temática, aunque expresada con recursos estilísticos de compleja variedad. En 1996 inicia su serie Patchwork, en la que aporta al lienzo tejidos variados. En su obra, la mezcla entre fotografía y pintura produce conjuntos visuales exacerbados, que en ocasiones se aproximan a lo kitsch. Entre sus series más importantes destacan Pintura animal, La vie des bêtes, expuesta en el Espacio Uno del MNCARS. Durante los años 1996-98 Jorge Galindo realizó la menos difundida de sus series, los Patchwork.

Su obra, enmarcada bajo los preceptos de una cierta abstracción gestual y operadora pertinaz del gran formato, ha estado determinada por un obsesivo ejercicio de la técnica del collage que ha acabado por definir los pilares que sustentan, por un lado su acción pictórica, y por otro, su compresión de la imagen. Sus primeras producciones se interesaron más por los aspectos materiales y táctiles que por la propia gramática de su territorio plástico: mediante el uso de lonas, arpilleras o materiales de desecho, o incluso sustituyendo el soporte habitual del lienzo por maderas, toallas o mantas, se enfrentaba a la pintura de un modo casi físico. Pero no cualquier materia encontrada podía convertirse caprichosamente en soporte, sino que debían poseer ya unas cualidades plásticas y cromáticas propias.

martes, 1 de abril de 2014

Matthias Dornfeld



Alemán, nacido en 1960

Las pinturas de Matthias Dornfeld constan de flores, figuras y estructuras arquitectónicas en colores saturados recuerdan a 1980. Explorando el territorio en el que la abstracción y la superposición de representación, Dornfeld deleita en exceso pictórico, creando un lenguaje visual único que cuestiona el papel de género y el cliché visual. Está interesado en el trato con las cosas lo irritante, ingenuo, o completamente pasado de moda. Está interesado en un tipo de honestidad, la franqueza, la transparencia o lo que proviene de actos inmediatos, en el camino de la energía y la actitud se hace evidente.
Las pinturas son a la vez sensual y abierta, enérgica y directa, tierna y delicada. Son obras atemporales con una presencia que es absolutamente contemporánea.

viernes, 28 de marzo de 2014

Lucia Spotorno

 
Lucía Spotorno (Buenos Aires, 1974) es profesora de dibujo y grabado recibida en el Instituto Santa Ana (1996). Concurrió a los talleres de Carolina Antoniadis (1999-2007) y María Luz Gil (1996-1998), asistió a clínicas de obra y a cursos de arte contemporáneo con la Lic. Valeria González (1998-2004). Estudió grabado en The National Academy of Design, New York (1996). Participa en muestras colectivas desde 1996. Vive y trabaja en Buenos Aires.


En la obra de Lucía Spotorno el manejo del color es lo primordial, apareciendo a través del sinfin de posibilidades: sus bordes y filigranas, la insólita apariencia de la naturaleza como un avasallante hiper-estímulo que hace de la obra una candente vivencia.

Ella se inspira en los colores, las formas de la naturaleza, la síntesis y la superposición, el recorte, la realidad y la fantasía, y todo esto va formando un collage de diversos elementos, que resulta en la formación de un paisaje nuevo.  Un lugar dónde habitar, un estado que alcanzar.  La naturaleza habla del hombre y lo refleja, es por eso que sus paisajes son tan luminosos porque muestran la esperanza de una humanidad que merece ese entorno.



jueves, 27 de marzo de 2014

Sandhi Schimmel


Sandhi Schimmel. Nace en 1954, Bronx NY
Esta artista estadounidense supo convertir la virtud de reciclar papel en una valiosa forma de crear arte con mayúsculas. Su obra consiste en elaborar modernos y coloridos mosaicos con cientos de trozos recortados de papel procedente de miles de folletos publicitarios, tarjetas de Navidad, postales, revistas,  periódicos, calendarios, etiquetas, tarjetas de visita…  Schimmel apunta que sus vívidos cuadros combinan su amor por el color y el retrato, así como por el arte contemporáneo y los mosaicos.


Todas sus obras están hechas a mano, tanto en lo concerniente al recorte de las miles de piezas perfiladas en función de cada obra, las capas de pintura que reciben y el proceso de pegado en el lienzo. Un minucioso trabajo que requiere imaginación, destreza, paciencia y “decenas de miles de decisiones”.

Sus cuadros están hechos de miles de incongruentes piezas de imágenes y texto. Ensamblado como un mosaico, las partes crean una nueva imagen – un retrato, un paisaje, una fantasía – directamente de su imaginación, utilizando materiales que de otra manera irían a la basura.

miércoles, 26 de marzo de 2014

Mónica Espinosa Galicia



Mónica Espinosa Galicia nacida en Mexico City, 1977 vive y trabaja en Mexico City .
Licenciada  en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda" (INBA, México DF); técnica en Fotografía por la Universidad Nacional Autónoma de México, y estudiante de intercambio en el programa de Bellas Artes del Statliche der Bilbenden Kunste Karlsruhe, Alemania. Su obra ha sido expuesta en renombrados espacios internacionales, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en España, el MALBA de Buenos Aires, el Museo Ex Teresa Arte Actual en México, entre otros.  Ha sido acreedora de reconocimientos otorgados por prestigiosas instituciones como la residencia del FONCA en Banff Centre en Canadá, la beca Jóvenes Creadores del FONCA, la beca para Estudios Internacionales de la Colección Jumex y el Government Scholarship Baden Wutemberg para la Kunst Akademie en Karlsruhe, Alemania.
Public collections 
Colección Jumex, Mexico. 
Progressive Art Collection, USA. / Colección Maraloto, Bogotá, Colombia. 

viernes, 21 de marzo de 2014

Mara Facchin

 
Nacida en Argentina en 1962. Es artista visual egresada de la escuela de arte Prilidiano Pueyrredón y docente de lenguaje visual en el IUNA (Instituto Universitario de Arte). Cursó seminarios de arte contemporáneo con reconocidos artistas y teóricos. Completó estudios de posgrado en comunicación en la Fundación Walter Benjamín-Universidad CAECE. Convocada por Alicia Herrero en la coordinación del Lipac (laboratorio interdisciplinario de prácticas artísticas contemporáneas, Centro Cultural Rojas, 2008).
Desarrolla su trabajo principalmente a partir del medio digital y expone en forma colectiva e individual desde 1996. Muestras individuales: Desapariencias (Casal de Cataluña, 1996), Impecable Chiche (espacio Juana de Arco-Galería Gara, 1999), Retratos (Centro Cultural Rojas, 2000), Paisaje Provisorio (CCEBA, 2004) y Recinto (Galería Del Infinito Arte, 2006).
Entre 2004 y 2007 participó, entre otras, de las siguientes muestras colectivas: 4000cm3 (Colección MACRO, Rosario, 2007); Transatlántica 9669 (Galería Sala de e-Star, Sevilla y Galería 713, Buenos Aires, 2007); Resplandores (Centro Recoleta, Buenos Aires, 2007); Relecturas en la colección MAMBA (Museo de Arte Moderno de Bs.As., 2005); Marcas Oficiales (Sala Subte, Montevideo y Centro Recoleta, 2004-5); Nuevas Cartografías (Centro Recoleta, 2004); Domus/Casa (Fundación Klemm, Buenos Aires) y colectiva en Galería Isidro Miranda, ambas en 2008.
En el año 1999 realizó la serie Countries, fotomontajes digitales que junto con Revistero (2001-3) objeto-instalación, integran la colección MAMBA. Participó en 2003 de la 25ª bienal de arte gráfico de Lubliana (col. Moderna Galería). La serie de dibujos 3D Vecindario cuatro piezas (2000) obtuvo mención del jurado en el concurso ICI de video y arte digital. 8 casas perfectamente iguales (video monocanal, 5´30”, 2003) con textos del escritor Martín Kohan, obtuvo el premio MAMBA 2003. Vive y trabaja en Buenos Aires.

www.Alyves.com